Oaxaca, México.

“Pido perdón y pido permiso”CuatroSie7e Galería, Oaxaca

Oaxaca, entre el arte y el mercado

Oaxaca parece haber encontrado en su extraordinaria riqueza cultural una fórmula comercial tan exitosa como preocupante.

Sus calles están pobladas de galerías, tiendas de artesanías y establecimientos que ofrecen una interminable variedad de objetos y obras destinadas, fundamentalmente, al consumo turístico.
La ciudad se ha convertido en un gran escaparate donde la identidad cultural constituye uno de sus principales atractivos comerciales.

No pretendo cuestionar el valor de las artesanías, muchas de ellas realizadas con una calidad técnica excepcional y depositarias de conocimientos transmitidos durante generaciones. Mi preocupación apunta en otra dirección:

¿qué lugar ocupa hoy el arte contemporáneo en una ciudad que ha hecho de su tradición artística uno de sus principales productos turísticos?

Porque una cosa es preservar y promover las tradiciones culturales y otra, muy distinta, permitir que estas terminen condicionando buena parte de la producción y circulación artística.

Oaxaca cuenta con una historia que justificaría una presencia mucho más contundente en el circuito del arte contemporáneo mexicano e internacional.
Basta recordar a Francisco Toledo (1940-2019), nacido en Ciudad de México, pero profundamente vinculado con Juchitán de Zaragoza, Oaxaca, de donde provenía su familia. Toledo no solamente fue un artista de reconocimiento internacional, sino también un extraordinario promotor cultural que entendió el arte como una herramienta de transformación social.
Su legado se manifiesta en instituciones como el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO), al que se suman espacios como el Museo de los Pintores Oaxaqueños (MUPO), el Museo de Arte Contemporáneo y de las Culturas Oaxaqueñas (MACCO) y el Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo, dedicado al fotógrafo mexicano nacido en 1902 y fallecido en 2002.

La existencia de estas instituciones demuestra que Oaxaca dispone de una infraestructura cultural significativa. Sin embargo, al recorrer la ciudad, no siempre resulta sencillo encontrar propuestas contemporáneas que se aparten de los lenguajes más fácilmente comercializables.
Se echa de menos una articulación más visible entre artistas, galerías, curadores, coleccionistas e instituciones, así como iniciativas de mayor proyección capaces de fortalecer un mercado para el arte contemporáneo.

Una feria especializada podría contribuir a ese objetivo, siempre que no se limitara a reproducir las mismas fórmulas comerciales que hoy predominan en buena parte de la oferta artística.
El problema no es que el arte se venda. Los artistas necesitan vivir de su trabajo y el mercado constituye una herramienta legítima para su desarrollo.
El problema aparece cuando las expectativas del comprador terminan condicionando la creación y el arte corre el riesgo de convertirse en una repetición complaciente de aquello que el visitante espera encontrar.

En una ciudad de semejante riqueza cultural, sería lamentable que la identidad terminara reducida a una marca comercial.

Una carnicería en una galería de arte

Sin embargo, Oaxaca también ofrece sorpresas.
Recorriendo sus calles, entrando en galerías y husmeando entre propuestas de muy diversa naturaleza, llegué a CuatroSie7e Galería, un espacio fundado en 2013 que combina la promoción de artistas consagrados y emergentes con actividades destinadas a acercar el arte a nuevos públicos.

Allí encontré una exposición que consiguió captar mi atención.
Se trata de “Pido perdón y pido permiso”, de la artista Isabel Sánchez Salgado (Villa de Etla, Oaxaca, 1982), con curaduría de Inari Reséndiz.

La propuesta parte de un escenario tan cotidiano como inesperado para una galería de arte como son las carnicerías del Mercado de la Villa de Etla.
La artista recupera recuerdos de su infancia y los transforma en una instalación donde la cerámica, la pintura y otros recursos materiales recrean un universo poblado de formas orgánicas que remiten a cortes de carne y productos animales.

Lo primero que llama la atención es la manera en que Sánchez Salgado consigue trasladar un espacio comercial al territorio del arte sin perder su carácter popular.
Pero lo verdaderamente interesante comienza cuando advertimos que no estamos frente a una simple reproducción de una carnicería.

La artista utiliza ese escenario para reflexionar sobre nuestra relación con la vida, la muerte y el consumo.
Y lo hace mediante una combinación de humor, ironía y una cuota de morbosidad que provoca reacciones contradictorias.

El espectador así se acerca atraído por la singularidad de las piezas, pero al mismo tiempo puede experimentar cierto pudor o rechazo.
Aquello que en una carnicería resulta perfectamente natural adquiere una dimensión perturbadora cuando aparece dentro de una galería.
La carne deja de ser una mercancía para convertirse en una pregunta.

La vida, la muerte y aquello que consumimos

En la cultura mexicana, la relación entre la vida y la muerte ocupa un lugar especialmente significativo.
Sin embargo, Sánchez Salgado evita recurrir a los símbolos tradicionales que habitualmente identificamos con esa dimensión cultural.
No necesita calaveras ni representaciones funerarias.
Le basta con presentar aquello que alguna vez estuvo vivo y que ahora reconocemos como alimento.

La curadora Inari Reséndiz señala que la exposición recupera las memorias de la artista en torno a las carnicerías de Etla, espacios donde la materia animal permanece simbólicamente suspendida entre la vida y la muerte.
Esta interpretación permite comprender uno de los aspectos centrales de la propuesta.
La carne representa simultáneamente el final de una existencia y la posibilidad de alimentar otra.
Es, por lo tanto, una materia de tránsito.
Pero también constituye una referencia directa a nuestra propia condición humana.
Porque el cuerpo que observamos como alimento no deja de recordarnos que nosotros también somos materia orgánica y que nuestra existencia está sometida a los mismos procesos naturales de transformación.

La exposición introduce así una reflexión sobre la fragilidad de la vida y sobre la relación de dependencia que mantenemos con otras especies.

En las sociedades contemporáneas, los procesos industriales han contribuido a distanciarnos del origen de aquello que consumimos.
Compramos carne presentada en envases cuidadosamente diseñados, muchas veces desprovista de cualquier referencia visible al animal del que proviene pero Sánchez Salgado invierte ese procedimiento.

En lugar de ocultar la materialidad de la carne, la convierte en protagonista.
Y al hacerlo nos obliga a reconsiderar una relación que habitualmente aceptamos sin demasiadas preguntas.

La cerámica como permanencia de lo perecedero

Uno de los aspectos más interesantes de la exposición reside en la elección de los materiales.
Sánchez Salgado trabaja especialmente con cerámica de alta temperatura, una técnica que domina con notable sensibilidad y que le permite desarrollar piezas de apariencia orgánica.
Mediante el barro y el color recrea formas que remiten a la carne animal, estableciendo un juego entre lo que reconocemos y aquello que sabemos que no es real y de ese modo la operación resulta particularmente sugestiva.

La cerámica ha estado históricamente vinculada con la producción de recipientes destinados a conservar, preparar y servir alimentos.
Aquí, en cambio, el material que tradicionalmente contiene la comida pasa a representar el alimento mismo.

Se produce una inversión entre continente y contenido que aporta una dimensión conceptual a la propuesta.
Pero existe otra contradicción todavía más interesante puesto que la carne es perecedera y su naturaleza está asociada con la descomposición y la desaparición.
La cerámica, por el contrario, es uno de los materiales que mejor han resistido el paso del tiempo, permitiéndonos conocer aspectos de civilizaciones desaparecidas hace miles de años.

De este modo Sánchez Salgado transforma aquello que está destinado a desaparecer en un objeto capaz de permanecer.
La artista consigue así que la materialidad de sus piezas dialogue con el contenido de su discurso.

No se trata solamente de representar la carne, sino de modificar simbólicamente su destino.
La exposición incorpora también pintura, bordado, herrería y objetos vinculados con la preparación de alimentos, construyendo un escenario donde las fronteras entre mercado, cocina y galería se vuelven deliberadamente ambiguas.

El resultado es una propuesta que combina una apariencia lúdica con interrogantes de considerable profundidad.

Cuando la tradición se convierte en contemporaneidad

Isabel Sánchez Salgado nació en Villa de Etla, Oaxaca, en 1982. Estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda, en Ciudad de México, y ha desarrollado una producción que comprende grabado, dibujo, pintura, textil y cerámica.
Su trabajo se nutre de experiencias personales, relatos familiares y referencias culturales vinculadas con su lugar de origen.
Pero lo que distingue esta exposición es su capacidad para transformar esas referencias en un discurso que trasciende lo local.
La artista no reproduce imágenes reconocibles de Oaxaca para satisfacer las expectativas de un público interesado en adquirir un recuerdo de su visita.
Por el contrario, utiliza elementos profundamente arraigados en la vida cotidiana de su comunidad para formular preguntas sobre la existencia humana.
Y aquí aparece una diferencia fundamental.

La contemporaneidad de una obra no depende de la novedad de sus materiales ni de su apariencia formal, sino de su capacidad para establecer una relación crítica con el presente.

La cerámica puede ser artesanía, objeto decorativo o una manifestación artística de carácter conceptual.
Estas categorías no son necesariamente excluyentes, pero tampoco deben confundirse.

En “Pido perdón y pido permiso”, Sánchez Salgado utiliza una técnica tradicional para desarrollar una propuesta que cuestiona nuestra relación con el consumo, el cuerpo y la muerte.
Su trabajo demuestra que las tradiciones culturales no tienen por qué permanecer encerradas en la repetición de formas heredadas sino que también pueden convertirse en instrumentos para producir nuevos significados.

“Pedir perdón y pedir permiso”, el título de la exposición introduce una dimensión ética que termina de articular el conjunto.

¿A quién se pide perdón? ¿A quién se solicita permiso?
Podríamos interpretar estas expresiones como un reconocimiento de nuestra dependencia de otras formas de vida.
Pedir perdón por la indiferencia con la que muchas veces consumimos aquello que alguna vez estuvo vivo.
Pedir permiso para establecer una relación más consciente con el mundo natural.
Pero también es posible encontrar en estas palabras una reflexión sobre nuestra propia condición.

No somos espectadores ajenos a los procesos que observamos sino que formamos parte de ellos.

La artista parece recordarnos que nuestra existencia depende de una compleja red de relaciones entre especies, territorios y comunidades.
Y que aquello que hoy consumimos forma parte de un ciclo del que tampoco nosotros estamos excluidos.

La exposición no pretende ofrecer respuestas definitivas ni establecer un discurso moralizante, por el contrario su mérito reside en provocar preguntas.
Y en hacerlo a través de una propuesta visual que oscila entre la atracción estética y la incomodidad.

Oaxaca merece algo más

Encontrar “Pido perdón y pido permiso” en CuatroSie7e Galería ha sido una de esas experiencias que justifican recorrer una ciudad sin itinerarios demasiado rígidos.

En medio de una oferta artística frecuentemente orientada hacia el consumo turístico, esta exposición demuestra que Oaxaca también cuenta con artistas capaces de desarrollar discursos contemporáneos personales, críticos y vinculados con su territorio.

Isabel Sánchez Salgado no renuncia a sus raíces ni a las técnicas tradicionales. Las utiliza para construir una mirada propia sobre cuestiones que nos involucran a todos.
Su trabajo representa, precisamente, aquello que me gustaría encontrar con mayor frecuencia en los espacios artísticos de la ciudad.
Una producción que no se limite a reproducir imágenes reconocibles, sino que se atreva a cuestionarlas.
Porque Oaxaca no necesita abandonar sus tradiciones para fortalecer su escena contemporánea.
Necesita generar mejores condiciones para que sus artistas puedan reinterpretarlas, discutirlas e incluso contradecirlas.

El legado de Francisco Toledo debería servir como recordatorio de que el arte puede desempeñar un papel mucho más amplio que el de satisfacer una demanda comercial.
Puede generar pensamiento, promover encuentros y contribuir a transformar nuestra manera de comprender el mundo y la exposición de Sánchez Salgado pertenece a ese territorio.

Se trata de una propuesta que, partiendo de la memoria de una carnicería de Etla, consigue situarnos frente a interrogantes universales sobre la vida, la muerte y nuestra relación con otras especies.

Oaxaca tiene mucho más que ofrecer que aquello que sus visitantes esperan comprar.
Y exposiciones como esta demuestran por qué vale la pena seguir buscando.